ALEXANDER SERGEI RAMIREZ nació en Peru pero se educó en Alemania. Estudió con Maritta Kersting, José Luis Gonzales y Pepe Romero. Ha grabado con la productora Denon cuatro producciones. Entre los premios que ha recibido se encuentran el Premio Mozarteum de la ciudad de Salzburgo, Austria. Recientemente ha sido incorporado como profesor del Conservatorio Robert Schumann de Düsseldorf lugar donde se formó como guitarista.
Como conseguiste grabar con Denon?
ASR: Realmente no lo sé, fue una casualidad.
Cuando realizaste tu primera grabación?
En 1991. Para serte honesto, no estoy tan interesado en hacer propaganda de mi carrera, no soy de aquellos que escriben cartas y se promociona ante la gente para hacer conciertos o algo parecido. Simplemente soy de aquellos tipos afortunados que estando en casa recibe llamadas telefónicas. Estaba dando un concierto y, luego de éste un productor de Denon se me acercó y me preguntó si estaba interesado en grabar para ellos. Por supuesto que acepté y asi es como todo comenzó. Dias más tarde recibí una llamada telefónica para hacer una grabación de prueba en semanas. Tuve que prepararme con apuro. La grabación abarcó piezas desde el renacimiento hasta piezas modernas. Tuve solo tres horas para la grabar, lo que equivalía a una hora de música. Por suerte estaba bien preparado. Y bueno, fue así que de pronto firme el contrato para grabar los CDs.
Que tipo de contrato te ofrecieron?
Uno por cada CDs. Hicimos la grabación de prueba en una iglesia, pero la verdadera grabación la hicimos en un gran salón en Alemania. Notarías rapidamente la diferencia si es que hubieran mezclado los lugares. Es realmente imposible unir el sonido incluso si grabas en un mismo salón con los mismos microfonos y todo: siempre va a sonar diferente.
Que me puedes decir de las otras grabaciones?
Todas fueron realizadas en el mismo salón pero notarás que el sonido en cada grabación es
siempre completamente diferente.
Para la segunda grabación queríamos que el sonido fuera igual que el de
la primera grabación, pero fue imposible aún cuando colocamos los microfonos
en los mismos lugares. Para esta
grabación había en el salón sillas y una nueva alfombra.
Nos dimos cuenta que al final que todos estos cambios influían en el
sonido.
De esta forma decidimos que en cada grabación que el sonido fuera diferente. Así por ejemplo el sonido en la grabación de Villa- Lobos es más amplio, totalmente opuesto a la grabación de Sor cuyo sonido es mucho más íntimo, lo que va muy bien con este tipo de música.
Todas las grabaciones que se hacen con Denon se deben hacer con gran rapidez. Solo tienes tres dias para la grabación, lo que no es mucho tiempo – dos o tres dias para grabar todo lo de Villa – Lobos y lo de Ginastera- es mucho trabajo. No quisiera describirlo como una grabación en vivo, pero, por supuesto, no sería igual que si hicieramos todo el trabajo durante un año, cosa que muchos hacen.
Si grabas en un estudio con el microfono colocado en la misma posición no es difícil nivelar el sonido. De esta forma, si estas a gusto con una pieza entonces puedes ir al estudio de grabación por unas cuantas horas y hacer una buena grabación de esta. Y si todavía no estas convencido con la grabación, puedes volver a hacerla unas semanas más tarde.
Al final esta gente consigue una grabación perfecta. Sin embargo, cuando llega el momento en que deben dar conciertos, simplemente no se encuentran al mismo nivel que la grabación realizada. En los conciertos no se puede tocar una pieza varias veces ni tampoco se puede esperar hasta que uno se encuentre en la situación perfecta para tocar una determinada pieza musical.
Esa es realmente la diferencia y personalmente yo preferiría no hacerlo perfecto y más bien prefiero hacer una grabación que refleje como toco en un determinado momento, como si estuvieras dando un concierto.
Hacer una grabación no es lo mejor que pueda existir, más bien refleja como tocas en esos tres dias de tu vida. Uno evoluciona constantemente. Por eso, si yo grabara todo nuevamente, sería una grabación diferente. Estoy seguro que todo aquel que haya grabado alguna vez piensa más o menos como yo.
Otra cosa que sucedió cuando grabamos con Denon fue que era la primera vez que ellos trabajaban con un guitarrista. Ellos no sabían de los sonidos que se producían con las cuerdas y todo eso, asi que se desesperaron un poco y tomó mucho tiempo convencerlos de que era
algo normal, de que no me molestaba en absoluto y de que para mí este sonido era parte de la guitarra. Fue una gran experiencia, fue fantástico trabajar con Holger Urbach, el productor.
De hecho, con cada grabación aprendí mucho más de cada uno de las piezas que en muchas lecciones de guitarra.Cuantos microfonos utilizaron para la grabación? Los colocaron cerca del instrumento?
Colocaron un frente a mi y otro en el salón con el fin de captar el sonido del ambiente. No hubo más, ni amplificadores, ni filtros. Solo puro sonido.
Lo bueno de grabar es que al final tienes algo en concreto de tu trabajo, es como un cuadro de pintura para un artista, es una pieza musical que existe luego de la presentación.
Pero con la diferencia que una grabación no es lo mismo que una presentación, pues no hay una audiencia: solo hay un microfono y por supuesto uno que esta más preocupado en tocar bien y en no hacer ruido con la silla, cosas de las que no te percatarías si estuvieras tocando en vivo. Por eso te diría que yo prefiero tocar en vivo más que grabar. Por supuesto que es bonito tener una grabación de tus piezas. Sin embargo, estar ante una grabación nunca se va comparar a una audiencia.
En la primera grabación que realizaste que incluyó a compositores como Albéniz, Falla, Rodrigo, Turina, tu escogiste las piezas?
Si por suerte, Denon quería un programa de corte español: Yo acababa de regresar de España donde habia estado viviendo, y bueno, estaba muy involucrado con la música española.
La segunda grabación fue producto de un acuerdo que hubo entre Denon y yo. Ellos querían un programa popular que vendiera, asi que yo les sugerí uno que incluyera las “Variaciones de Mozart” y los “Recuerdos del Alhambra”. De esta forma se realizó el acuerdo con la condición de que yo escogería las piezas para la grabación. Ellos aceptaron y un año más tarde el CD I Alhambra incluyó como grabación los Estudios de Villa Lobos, Preludios y la Sonata de Ginastera, todas ellas, segun mi opinión, las piezas más bonitas que se hayan escrito para guitarra.
Cuando la grabación de Alhambra salió a la venta, hubo mucha gente que me preguntó: Como pudiste hacer una grabación con unas piezas que han sido tocadas tantas veces ? Para serte honesto nunca le di importancia a lo que la gente decía. A mi me siguen gustando estas piezas, son maravillosas. Para una productora lo importante es vender y la grabación de Alhambra vendió bastante y muchos afinicionados a la música compraron el CD. Estoy seguro que estos aficionados estarían más interesados en comprar grabaciones para guitarra o en asistír a conciertos para guitarra que comprar la grabación de Royal Winter Music de Henze. Por eso no veo razón para que los guitarristas se molesten. Yo no los obligo a escuchar o a comprar el CD.
Mira, es curiosos, pero muchos guitarristas se preocupan más en saber que tocan otros guitarristas en vez de interesarse en como tocan . Esto no sucedería nunca con otros instrumentos. Nunca se culparía a un pianista por grabar o por tocar “Moonlight Sonata” por 500ava vez. De hecho sería lo contrario: ellos piensan que es más difícil tocar una pieza que todo el mundo conoce que tocar una pieza que es completamente desconocida. Desafortunadamente los guitarristas no piensan de la misma manera.
Todavía hay muchos guitarristas que no saben lo que se escribe en música. Todo el mundo ha escuchado muchas veces en conciertos las variaciones de Mozart pero cuantas veces se ha tocado el tema cantando sin tocar el antecompas tan fuerte? Cuantas veces se separó la melodía del acompañamiento? Cuantas veces se ha tocado el ritmo correctamente? Si prestas atención a todas estos aspectos y te pones a contar todas las presentaciones en que realmente tomó en cuenta estos aspectos te daras cuenta que fueron muy pocas.
Creo que uno de los grandes errores de los guitarristas es la falta de tradición de interpretación. Yo he trabajado con muchos músicos, cantantes, violinistas y claro con mi novia Sheila Arnold, que es pianista profesional. Lo primero que hacen estos músicos es analizar la pieza sin tocar el instrumento: miran la pieza y discuten que sucede con ella: donde estan las frases y las líneas y hasta donde llegan.
En muchas grabaciones para guitarra puedes notar incluso como aspectos fundamentales como el ritmo se dejan de lado. Los guitarristas tocan como quieren, cambiando el ritmo y el significado de las frases. Muchos no prestan atención a estos aspectos, es muy curioso.
Crees que en este caso los pianistas prestan más atención a estas indicaciones?
O claro que si. Hay muchos libros que tratan sobre el significado de los signos de articulación. Es increíble como es que ellos se guían por el texto y se preocupan ya sea porque el crescendo comienza en E o en F- para ellos tiene gran diferencia el que el crescende comience en una u otra not. Igual sucede con el ritmo, por ejemplo un violinista jamás tocaría el cuarto golpe más alto que el primero, ni ignoraría una señal de crescendo o de decrescendo. Desde el comienzo se les enseña a prestar atención a los signos que están escritas en la páginas, y de ninguna manera se atreverían a cambiarlas. Es muy importante desarrollarse con este entrenamiento de ejecución del instrumento, osea prestando atención a lo que se indica en la pieza. La mayoría de los guitarristas comienzan haciendo sus propias interpretaciones de las piezas desde que comienzan a tocar sus primeras piezas, pero en si debería tomar dos o tres años antes de que uno comienze interpretando una pieza musical. Uno no comienza primero con la interpretación. Yo no digo que haya realizado grabaciones perfectas. Pero uno debe tocar lo que esta indicado en la pieza- no solo memorizando la pieza sino también la forma como debe de tocarse.
Ayuda mucho tener el manuscrito o las ediciones con las indicaciones. Hay un número creciente de guitarristas que tocan tal y como se escribe en la múscia: por ejemplo Barruecos es un guitarrista excelente que toca lo que esta indicado en la pieza.
Este es otro punto. Uno debe ser capaz de escribir lo que uno escucha en la música y esto debe ser más o menos como esta escrito en el texto. Suena como una cosa seca e intelectual hacerlo pero en si no lo es. Si escuchas a Horowity o a Glenn Gould puedes escribir perfectamente el texto. Ambos exageran la música, sin embargo siempre que tocan puedes escuchar exactamente el pulso y el ritmo. Es cierto que a vece hacen los crescendos en forma diferente pero mayormente tocan lo que esta escrito en la pieza musical y cuando lo hacen en forma diferente lo hacen con un propósito y no simplemente porque no prestan atención o porque no saben.
Tu crees que los guitarristas no se dan cuentan de la diferencia que hay entre la forma como ellos tocan y la forma como esta escrita la pieza?
Si. Por ejemplo con los preludios de Villa Lobos N° 3 y 4, cada compás esta marcado claramente; pobre de Villa- Lobos que con tanto cuidado escribió estos compaces, sin embargo nadie parece notarlos. Hoy en dia las cosas están mejorando. Como dije, David Russell, Manuel Barrueco o John Williams nunca tocarían de otra manera.
Que piezas estás tocando con el pianista?
Carulli.
Puedes escuchar a la guitarra?
Utilizan un piano forte. Si
tocas con un Steinway, debes presionar mucho y
pienso que el sonido no suena bien.
No me gusta la combinación de sonidos entre la guitarra y el piano
moderno pero con el piano forte el sonido es maravilloso y perfecto.
En los conciertos modernos afinas la guitarra cuando estas tocando con un piano forte?
Si. Es difícil pues al afinar ellos a 430 la guitarra no suena bien, y el ataque de las cuerdas es horrible. En uno de los conciertos decidí afinar la guitarra a 430 y le dije al pianista que no habría problema pues la afinación sería solo un poco más baja. Sin embargo, note que al afinar a 430 la diferencia era abismal e incluso al afinar a 435 había una gran diferencia. Por otro lado el afinar el piano forte a 440 para nivelarlo con la guitarra trae ciertos problemas pues los sonidos de este instrumento son de por si más bajos.
Afinas a 435?
Para mí afinar la guitarra a 435 es bajo y afinar a 430 es imposible, por eso tratamos de afinar a 440. El afinador de piano forte tiene que sentarse junto a nosotros, pero esto funciona porque volvemos a afinar durante el concierto.
Es una verguenza, no es cierto, porque la guitarra suena maravillosamente con el piano forte. Has tocado también a Diabelli?
Por supuesto. También hemos tocado piezas de Ponce, que suenan fantasticamente. Por su parte Carulli ha producido una increÌble cantidad de piezas musicales para piano y guitarra. Melodica y harmónicamente es sorprendente lo que Carulli realiza. En mi opinión es un excelente compositor de música de cámara.
Crees que se le ha desestimado porque le hemos dado más importancia a sus estudios y a sus piezas para un solo instrumento?
Si, absolutamente. Todo el mundo conoce sus pequeños estudios pero en lo que se refiere a música de cámara Carulli puede ser colocado muy bien al lado de Giuliani.
Y Sor? Grabaste.....?
Oh, me encanta Sor. Creo que fue el más grande compositor de guitarra en la era clásica. Giuiliani fue también un gran compositor pero con un estilo totalmente diferente. El era totalmente guitarrista y Sor es totalmente no guitarrista. Sor no escribe muchos arpegios con el fín de que el sonido sea grande y más dificil, lo que si lo hace Giuliani. En ese sentido Sor probablemente es más honesto.
Entonces dirías que Giuliani era más idiosincrático? De la misma forma como Villa – Lobos?
Si o como Franz Liszt lo era para el piano. Giuliani realmente conocía muy bien la guitarra y sacaba provecho de ella. Sor tenía una tendencia sinfónica a componer. Así, cada línea de las piezas músicales era completa excepto su Opus 14, que es una especie de homenaje a Giuliani. Además se puede realizar fácilmente trabajos orquestrales de sus otras piezas.
Estas pensando en realizar un arrego orquestral a partir de los trabajos de Sor?
Claro que si, siempre que estoy estudiando alguna obra de Sor pienso en lo que se podría escribir alli, o que instrumento podría tocar esa línea.
Es algo que te nace?
La mayoría de instrumentalistas tratan de hacer arreglos orquestrales a partir de sus piezas musicales, pero para la guitarra es mucho más sencillo, por eso pienso que uno debe tomar ventaja de ello. Otros instrumentalistas se ponen celosos de la gran variaded de colores y timbres que nosotros podemos producir con nuestro instrumento.
Es muy curioso ver como muchos guitarristas tratan de imitar al piano, mientras que los pianistas tratan de imitar a una orquesta.
Alguien te enseñó como realizar mentalmente un arreglo para orquesta apartir de una pieza dada?
Si, mi profesora en Alemania, Maritta Kerstin. Cuando tocaba estudios de Sor ella siempre me preguntaba: Puedes imaginarte que instrumento puede tocar esta parte?
Esto ayuda mucho al tocar líneas pues es muy difícil tocar legatos en la guitarra. Probablemente sea lo más difíciles que se pueda realizar con este instrumento. Sin embargo, si piensas en líneas y en términos orquestrales e imaginas al violín o al cello tocando, te lo imaginas inmediatamente como un legato y cambia el fraseo.
Fue una cosa invalorable aprender de mi profesora. Ella no era una guitarrista profesional, nunca dió un concierto. De hecho, era cantante y luego fue que empezó con la guitarra como un segundo instrumento. Discutíamos materias técnicas juntos como lo del legato, pero ella nunca tocó una pieza en forma completa. Me enseñó a tocar desde el punto de vista de una cantante. Así, si alguien tocaba una sola línea sin el legato, se molestaba mucho. Sigo aprendiendo de eso y sigo pensando en líneas y luego toco con el vibrato o toco con el fraseo como un cantante lo haría.
La profesora Kersting era una profesional, estudió con Karl Sheiter pero nunca dió un concierto. También estudió sonido con Walter Gerwig.
Vienes de una familia musical?
Si, mi abuela se dedicó al baile expresionista, moderno e improvisado. Mi abuelo era musicólogo ( Quellamlz). Mi madre estudió piano en forma seria, mi padre también estudió piano pero luego se convirtió en pintor. Viajó a Alemania donde estudió medicina pero al mismo tiempo estudió pintura. Cuando regreso al Perú para trabajar como médico se dió cuenta que lo que quería era ser pintor, asi que regresó a Alemania. Nunca puso en práctica la medicina, se dedicó a la pintura, sin embargo, sigue practicando el piano diariamente por dos o tres horas. Esa fue la forma como que me eduqué. Todos mis hermanos tocan un instrumento y yo he tocado el cello desde los 7 años. Fue mucho más tarde que descubrí la guitarra, cuando tenía 17. Luego de escuchar una grabación de Segovia. Si, asi fue. Quede fascinado con la guitarra y con las posibilidades que me brindaba ella.
En ese tiempo estabas ya en el conservatorio?
Todavia estaba en la escuela, y luego comenzé a tocar guitarra por mi cuenta, sin profesor al comienzo. Luego me enseñó la profesora Kersting y ella me llevó al Conservatorio de Düsseldorf y desde allí empezó todo. Yo tenía 19 años.
Estudié alli 5 años y luego me gradue; luego estudié dos o tres años más. Posteriormente fuí a España donde estudié con José Luis Gonzales. Fue maravillsoso estar en el pequeño pueblo de Alcoy. Me encontré con muchos estudianes japoneses, otros de Islandia, de USA, de
Australia, de todo el mundo. Aprendimos mucho de la forma como tocaba José Luis. Tenía una forma muy especial de tocar, un poco como el estilo de Segovia, aunque probablemente más personal, tenía una variedad dinamica increible con pianisimos excepcionales. Y con un sonido que nunca en mi vida había escuchado. Todavía puedo escuchar sus instrucciones cuando toco algunas líneas. Era un gran guitarrista – de repente no del gusto de todos por supuesto pero el tenía exactamente lo que yo pienso que le falta a la mayoría de guitarristas clasicos hoy en dia.
Luego estudié con Pepe Romero quien aparte de ser un gran guitarrista, es un gran profesor. En sus lecciones el se fijaba más en la técnica, en la importancia de la relajación a la hora de tocar y en la forma como practicarlo a la hora de tener una presentación para no detenerse. Sigo trabajando en ello. Y también esta sus profundos conocimientos de la múscia española, sus raíces en la música flamenca y el contacto directo que ha tenido con la mayoría de los compositores españoles.
Con en tiempo me he dado cuenta de la importancia y de la influencia tan diferente que han tenido en mí mis maestros.
Que tal tu viaje la China?
Fantastico! Fui invitado allá por la embajada peruana para participar en la semana peruano china que se celebrara en Noviembre. Allí di una serie de conciertos. Tambien tuve la oportunidad de dar algunas clases magistrales en el conservatorio. Los conciertos tuvieron mucha aceptación; creo que la guitarra va muy bien con el carácter de la gente china, es tranquilo y modesto pero a la vez tiene mucho temperamento y un espíritu cálido.
Para serte honesto, no esperé escuchar un nivel tan alto en las clases magistrales; hasta ese entonces nunca había escuchado del ambiente guitarristico en China. Nunca había visto a tantos excelentes guitarristas estudiando en un mismo conservatorio. Sus profesores, el profesor Chen Zhi, debe ser uno de los profesores guitarristas más grandes. Nunca olvidaré al niño de 11 años Sun Sxing tocando las Variaciones de Handel por Giuliani, o a la pequeña de 16 Li Jen tocando el Rondo de Aguado; todos excelentes musicos con un sonido y un vibrato excelente. Sus dedos se movían completamente relajados; podías sentarte y escuchar música. Ah, y no puedo olvidar a Yang Xue Fei de 20 años que simplemente no quería parar de tocar: el Nocturno de Regondi, la Fantasia hungara de Mertz, otras piezas de Barrios, y por supuesto incluso en China no puedes escapar de escuchar Koyunbaba de Domeniconi.
Estas enseñando en Alemania, no es cierto?
Desde octubre del año pasado estoy enseñando en el Conservatorio “Robert Shumann” de Düsseldorf. Por el momento estoy a cargo de ocho estudiantes cuyas edades fluctuan entre 20 y 30 años que son entrenados para ser guitarristas profesionales o para ser profesores. Aparte de recibir lecciones en forma individual cada semana, tenemos lecciones que son dedicadas a las habilidades para tocar en presentaciones, lo que significa que cada estudiante debe tocar una vez por semana en frente de todos sus colegas. Las piezas que tocan pueden ser nuevas o simplemente piezas que ya hayan tocado, eso no importa. Lo importante es que el estudiante se acostumbre a tocar en público. A veces incluso grabo sus presentaciones. Al principio es un poco dificil pero funciona. No hay nada más difícil como tocar enfrente de tus colegas. Si eres capaz de hacerlo enfrente de ellos, entonces puedes tocar donde quieras.
La enseñanza es un placer pues ayuda mucho a uno en su ejercicio con el instrumento. Haces más conciencia de lo que estas tocando, técnica y musicalmente. Estoy muy agradecido al conservatorio por ser tan considerado con mi plan de conciertos. No obstante hay suficiente tiempo para practicar pues la escuela nos da 5 meses de vacaciones!.
Cuales son tus planes para el futuro?
Acabó de regresar de una gira de conciertos por Alemania, Austria, Suiza que incluyó el Tonhalle en Zürich uno de los salones más hermosos que haya visto. En Abril estaré en España donde participaré como jurado en la calificación en la Competencia de Alhambra en Alcoy. Daré conciertos solos, duos con Sheila Arnold en el piano y con el pianista de piano forte Gabor Antalffy. Estuve enseñando en Koblenz a finales de Mayo y estuve dando otros cursos en Meinerzhagen y en Borkum en Alemania. En Noviembre daré una serie de conciertos en la India, Tailandia e Indonesia donde también tendré la oportunidad de dar algunas clases.